艺术家创作理念与方法 - 艺术家陈玥形成了一种原创性创作方法 并非将戏剧或多媒体作为音乐的附加层 而是通过具有明确戏剧感知的结构性思考 将音乐置于声音、身体、空间与视觉共同构成的表演系统之中[1] - 这一实践重新界定了音乐如何被构思、被感知与被理解的方式[1] - 在艺术家的创作实践中 音乐不再被视为一个自足的听觉对象 而是一种在时间与空间中展开的事件[2] 代表性作品与艺术探索 - 作品《第六十六首十四行诗》通过声音与手势的并置 使莎士比亚文本的精神张力在身体行为中显现[1] - 大型交响作品《歌剧对话录》通过拆解并重组不同时代的歌剧角色与音乐材料 使不同历史语境的声音在同一结构中建立关系 形成跨时代、跨身份的音乐对话[1] - 作品《亢与滞》通过对声音密度、动态与空间关系的控制 呈现自闭症人群感官过载与感知迟钝之间不断切换的心理状态[1] - 这些作品共同指向一个核心问题 即当代音乐是否可以作为一种多维度的感知经验被重新理解[1] 实验作品《匹诺曹的鼻子》的集中体现 - 该作品于纽约天理文化中心"New Sounds New"系列中首演 以巴松管为核心 结合多种管乐、气囊踏板与日常器物 形成介于独奏音乐会、独角戏与行为表演之间的复合形态[1] - 作品围绕"谎言与痕迹"的隐喻展开 并以"空气"作为贯穿全曲的关键媒介 空气既是声音生成的基础 也是一种不可见却无法抹除的存在[1] - 巴松管通过泛音、气声与键击等扩展技法 呈现出介于语言与非语言之间的声音状态 踏板驱动下不断充气的气球 则成为匹诺曹因谎言而生长的鼻子的象征[1] - 在结构上 作品并未采用严格的节拍组织 更多时候 音乐由碎片化的声音、身体动作与器物行为共同塑造时间的流动[2] - 演奏者需将声音、动作与舞台行为统一为连贯的叙事过程 由此不再只是声音的执行者 而成为整体结构中的关键参与者[2] 艺术实践的影响与意义 - 通过对声音、身体与舞台行为关系的持续推敲 艺术家的作品逐步建立起一种以感知经验为核心的表达方式[2] - 这使得当代音乐在保持复杂性的同时 重新与观众的经验产生连接 并对当代音乐的理解方式提出了新的可能性[2]